FUTURE BITES: NUEVAS PERSPECTIVAS DE STEVEN WILSON

A lo largo de 41 minutos condensados en nueve canciones, el músico inglés nos deja ver la evolución y la curiosidad musical que siempre ha caracterizado al ex Porcupine Tree, sólo que ahora dejó de lado (la mayor parte del tiempo) las guitarras y se clavó en los sintetizadores y teclados.

Desde su disco To The Bone (2017), el multinstrumentista ya había experimentado con el pop-rock, pero ahora olvida eso para sumergirse en lo industrial, electrónico, synthpop… aunque esas raíces progresivas no pueden salir completamente de él.

El disco toca temas como el consumismo, la pérdida de la identidad en la era del internet, el uso de la tecnología, todo esto inspirado en libros de ciencia ficción de autores como Aldous Huxley o George Orwell, pintando un futuro distópico.

Hablando de los temas, todo empieza con el intro “Unself”, una melodía muy tranquila donde apenas si escuchamos la voz de Steven para continuar con “Self”, la cual nos muestra lo que vendrá musicalmente en el álbum de Steven Wilson: coros súper pegajosos y canciones movidas que navegan entre el synthpop y el industrial.

Seguimos con “King Ghost”, una rola bien producida, en donde la voz de Wilson destaca, una pieza más atmosférica que se convirtió, sorpresivamente en uno de los sencillos más gustados de TFB y que fue acompañado por un video muy colorido realizado por Jess Cope.

El siguiente track es “12 Things I Forgot”, quizá la rola más orgánica, donde la guitarra predomina y que nos recuerda mucho a To The Bone y lo que hacía con BlackField, con una letra muy pegajosa, pero muy llegadora.

“Eminet Sleaze” fue el segundo sencillo del álbum, muy electrónica que tiene una atmósfera hasta sensual y oscura, con un coro femenino que nos hace cantar y hasta pararnos de la silla, una melodía super catchy con un bajo que destaca y un solo muy a la Pink Floyd que termina dándole un toque también industrial y progre

Un bajón emocional viene con “Man Of The People”, una rola que nos puede recordar a cosas que se hacían con Porcupine Tree, con una interpretación bastante emotiva, triste, melancólica… justo el Steven que conocimos y nos enamoró a la mayoría con cosas como“Trains”.

Y después de esto llega “Personal Shopper” una rola industrial, techno, funky, con muchísimas texturas y es que en 9:49 minutos que dura, se nota que el inglés se dio vuelo experimentado con todo lo que podía, más el regalito de tener a Sir Elton John narrando a la mitad de la canción todo lo que la gente quiere adquirir en la era del consumismo.

“Follower”es la octava rola y es demasiado pegajosa, si ya llegaste hasta aquí, seguro ésta te va a encantar, es popera y rockera al mismo tiempo, la batería y un solo de guitarra son muy restacables, el coro definitivamente de lo mejor del disco.

Para cerrar llega “Count Of Unease”, súper melancólica, podría haber sido incluida en el disco The Raven That Refused To Sing, un cierre un poco flojo a mi parecer para lo que se manejó en el álbum.

Podrá o no gustarte TFB, lo que sí nadie puede negar es que la producción del álbum es impecable, se nota que Wilson es un perfeccionista, que pasó hooooras en el estudio “jugando” con todos sus instrumentos, buscando la manera de ir más allá y no repetirse con sus trabajos anteriores.

Los fans de Porcupine Tree y de los primeros discos de Steven Wilson seguro odiarán este material, que tal vez sólo sea un capricho musical del inglés por experimentar en su carrera, dejando de lado lo que opinen de él.

JOKER: UN MENSAJE DE REFLEXIÓN SOBRE LA SOCIEDAD ACTUAL

Recogiendo el testigo de negrura de Christopher Nolan respecto al personaje de Joker y Batman en El Caballero Oscuro y llevando el universo de indecencia hasta una nueva dimensión, aún más política e infinitamente más social, Todd Phillips ha compuesto Joker, grandioso ejercicio de energía visual y sonora. Un categórico golpe contra el sistema que, debido a su complejidad más que a su ambigüedad, corre el peligro de malinterpretarse. 

Es la demencia del individuo como ejemplo de la locura social. Es la película más incómoda que he visto en mucho tiempo. Desagradable, cruel, perturbadora, tristísima. Y donde el despliegue físico de cuerpo, rostro y mirada de Joaquin Phoenix se convierte en un recital de puro genio.

Sin embargo, pese al activismo social y a la acusación contra el sistema de recortes del gobierno, de abandono de los más desfavorecidos, sería un error no ver que la película es una denuncia moral desde arriba hasta abajo, y que el Joker, finalmente, rebasando por la izquierda al antihéroe Travis Bickle, se convierte en un villano enfermo, alienado y enajenado. Y si alguien cree que los que mueren en la película merecían morir así por sus acciones, solo puede ser dos cosas: un peligroso radical de extrema derecha o izquierda; o un ignorante anarquista de sofá que nunca moverá un dedo si no es para la impostura de las redes sociales.

La podredumbre moral que lleva a Joker, un demente diagnosticado, a ser visto como un héroe habita también en la masa embriagada de furia. Los mismos que en una de las primeras secuencias dan una paliza simplemente porque sí al enfermo mental Arthur Fleck, antes de convertirse en el Joker, podrían ser los que lo adoran como mito en los últimos momentos. Es la conjura de la ira, desembocando en la irracionalidad de la masa. Es la complicación moral de una película formidable y retorcida.

KARAJAN POR TODO LO ALTO

Deutsche Grammophon reedita la cuarta de las seis integrales (entre audios y vídeos) de las sinfonías de Beethoven registradas por Herbert von Karajan, es decir, la que grabó con la Berliner Philharmoniker en la Philharmonie de la capital alemana entre 1975 y 1977. Y lo hace con verdadero lujo, en dos Blu-rays Pure Audio con tres pistas: estéreo a 24bit/192 kHz, surround 5.1 a 24bit/192 kHz y Dolby Atmos a 24bit/48 kHz. Para esta última hace falta una instalación con dos altavoces en el techo; en mi caso tengo 5 más un subwoofer.

Pero sí he comparado las otras dos, y la mejoría con respecto a los antiguos CD es considerable. El cambio viene por la tremenda presencia que adquieren todas las familias instrumentales, por su relieve y su inmediatez, por su tremenda pegada. Particular importancia tiene el peso enorme que adquieren las frecuencias más bajas, liberando la tremenda sonoridad de la cuerda grave berlinesa en la que el maestro siempre se apoyó, por no hablar de la enorme, tremebunda gama dinámica que ahora alcanzan estos registros, acentuando más aún los tremendos contrastes entre pianísimos y fortísimos tan caros al maestro. Dicho de otra manera, esta edición en Blu-rays Pure Audio no hace sino subrayar los rasgos sonoros más propiamente karajanianos, y precisamente en una época, la segunda mitad de los setenta, en la que el de Salzburgo alcanzó las cotas más altas de desmadre. Karajan más Karajan que nunca. Karajan desencadenado.

La Sinfonía nº 1 es quizá la que sale mejor parada: interpretación poderosa y amplia, de sonoridades ora opulentas y musculadas, ora de sensuales y refinadas a más no poder, dicha con entusiasmo y con momentos muy teatrales –francamente operístico el arranque del cuarto movimiento–, que pone en evidencia la evolución de Karajan desde parámetros toscaninianos hacia la suntuosidad de la última época. 

En la Sinfonía nº 2 es una verdadera lástima que Karajan no deje explayarse todo lo que debería a un Larghetto hermoso pero demasiado rápido, porque el resto de la interpretación es un prodigio de fuerza (¡tremendos los movimientos extremos!), de comunicatividad y de lenguaje beethoveniano. 

Aun de enfoque antes épico que dramático, el primer movimiento de la Heroica resulta admirable por su empuje bien controlado, por la portentosa plasticidad con que están tratadas las masas sonoras –empaste perfecto, robustez sin excesos, densidad sin merma de la claridad–, por su brillantez bien entendida y, sobre todo, por la convicción que desprende. No tan bien funciona la marcha fúnebre: sensualísima en la sonoridad e increíblemente bella en su canto, pero poco o nada rebelde en sus clímax, menos aún visionaria, sino más bien pacífica y resignada, cuando no erróneamente opulenta. El Scherzo está dicha con una perfecta mezcla de músculo y elegancia, aun sin resultar del todo electrizante. Y toda la primera parte del Finale resulta luminosa, jovial y optimismo a más no poder para luego decantarse por la grandilocuencia glorificadora, sin rastro de la tragedia anterior ni de pliegues expresivos: a Napoleón le hubiera encantado.

Una introducción maravillosamente sensual pero también un punto desmayada nos advierte que Karajan, frente a las magníficas dos realizaciones anteriores con la misma orquesta, se encamina poco a poco hacia una visión en exceso autocomplaciente de la Sinfonía nº 4. Y efectivamente, esta es una lectura soberbiamente tocada y de incuestionable lenguaje beethoveniano, pero que oscila entre momentos de excesiva corpulencia y otros de una languidez un punto narcisista, o por lo menos carente de poesía sincera.

La Sinfonía nº 5 es presunta especialidad de la casa, pero lo cierto es que no termina de convencer. Muy en la línea de su filmación para Unitel algo anterior, Karajan no logra repetir el importantísimo logro de su registro de 1962. Sobran rigidez, marcialidad, y retórica vacua, faltan calidez, flexibilidad y, sobre todo, convicción expresiva. El conjunto resulta en exceso teatrero y volcado en el puro espectáculo. Como advertíamos al principio, la audición en el Bluy-ray no hace sino acentuar los contrastes dinámicos extremos propuestos por el maestro, aunque a cambio en los pasajes más recogidos ofrece una limpieza y una presencia sonora de un detallismo –pizzicati del tercer movimiento– digno de admiración.

Un fiasco la Sinfonía nº 6: todo se encuentra meridianamente expuesto, pero la asepsia es absoluta. Tampoco es que se trate, como alguna vez se ha dicho, de una Pastoral pastoril”. No, no es eso. No hay narcisismos ni cursilería. Es que la poesía se halla ausente. Solo se salvan una danza de los pastores entusiasta y una tormenta más bien exterior y algo aparatosa, eso es verdad, pero sin duda sobrecogedora.

Tal vez la mejor de las recreaciones que Karajan realizó de la Sinfonía nº 7 sea la de la presente integral. Cierto es que, como en el resto de las sinfonías, vuelven a echarse de menos tanto vuelo poético como carácter verdaderamente visionario en una recreación que también resulta un punto lineal, no todo lo flexible e imaginativa que podía haber sido. Pero también es verdad que la que la portentosa técnica del maestro y el músculo por entonces sin parangón de la orquesta berlinesa se ponen al servicio de una admirable síntesis entre emoción sincera y brillantez bien entendida. Un espectáculo, esta vez en el mejor sentido del término.

El primer movimiento de la Sinfonía nº 8 es magnífico, por su soberbiamente delineada arquitectura y por su carácter gozoso, sin excluir el adecuado carácter combativo y tempestuoso del genial clímax escrito por el de Bonn. Los movimientos intermedios están francamente bien, a falta de un punto más de sal y pimienta en el segundo y de encanto en el tercero. Y el cuarto es un descalabro: no solo precipitado sino también rígido y cuadriculado, incluso machacón. 

Queda la Sinfonía nº 9. El motivo en la cuerda con que arranca la obra está expuesto con una increíble claridad, como si Karajan quisiera borrar todo rastro de misterio del mismo. Y así parece ser en el desarrollo, desatento al peso de los silencios –una constante en sus diferentes interpretaciones fonográficas de la página– y volcado en extremar las dinámicas de lo fortísimo a lo casi inaudible, pero construyendo la arquitectura de tensiones y distensiones de manera tan mnilimétrica como lineal. El resultado apabulla, mas carece de sinceridad. Algo mejor funciona el Scherzo, dicho con virtuosismo insuperable y bien recorrido por nervio interno, aunque a la postre igualmente mecánico; las trompetas, como en toda la interpretación, adquieren excesivo protagonismo. El Adagio molto e cantabile ofrece una belleza sonora suprema y está maravillosamente fraseado, pero entre tanto hedonismo la reflexión y la hondura (¿dónde están el lirismo agridulce y los clímax punzantes de Furtwängler y de otros grandes recreadores de la obra?) apenas se entrevén.

El Himno a la Alegría ofrece una doble fuga magistral, pero aquí el de Salzburgo apenas puede disimular su tendenciosidad ideológica y se lanza en plancha no ya a por la marcialidad y la afirmación épica sin rastro de sentido trágico, de elevación espiritual o de carácter visionario, sino a por el decibelio puro y duro, hasta rematar en un final que es puro bombo y platillo. Regular los Wiener Singverein, y sensacional el cuarteto: Anna Tomowa-Sintow, Agnes Balsta, Peter Schreier y José van Dam.

DEAD TO ME

Otra serie que me ha producido una buena sensación es la serie de Netflix DEAD TO ME. Se trata de una comedia negra que narra las peripecias de una viuda atractiva con dos hijos tras la muerte de su esposo en un accidente de tráfico al ser atropellado en una carretera, dándose a la fuga el conductor.

Jen (Christina Applegate) es la sarcástica viuda que está decidida a descubrir al responsable del asesinato de su marido. Judy (Linda Cardellini) es una mujer optimista que también ha sufrido una pérdida. Cuando las dos mujeres se conocen en un peculiar grupo de apoyo, surge una amistad inesperada a pesar de sus distintas personalidades. A medida que estrechan su amistad Judy tratará de proteger a Jen de un secreto que podría destruir su vida como la conoce.

Cabe destacar las interpretaciones de Christina Applegate y Linda Cardelini. También intervienen en la serie James Marsden y el veterano Ed Asner. 

La recomiendo ya que se trata de una comedia muy divertida que tiene también momentos oscuros que hacen que quieras ver todos los capítulos para conocer la resolución de la trama.

TEARS FOR FEAR- The hurting

BLU-RAY AUDIO

 CANCIONES:

1. The Hurting
2. Mad World
3. Pale Shelter
4. Ideas as Opiates
5. Memories Fade
6. Suffer the Children
7. Watch me Bleed
8. Change
9. The Prisioner
10. Start the Breakdown

SONIDO

ESTEREO

RESOLUCION

2.0 Dolby TrueHD 24bit/96khz

2.02.0 DTS HD MA 24bit/96khz2.0

2.0 LPCM 24bit/96khz2.0

The Hurting fue el trabajo de debut de Tears for Fears. Los temas en los que se basan las letras de sus canciones son las oscuras historias familiares de los miembros de este dúo: Roland Orzabal y Curt Smith. Sus traumáticas experiencias de la infancia quedan al descubierto en todas las canciones que lo componen.

Sorprendentemente, este álbum fue número 1 en el Reino Unido, pero apenas alcanzó al Top 100 (número 73) en los Estados Unidos.

Tres lanzamientos de singles ("Mad World", "Change "y" Pale Shelter "llegaron al Top 5 en el Reino Unido. Parece una contradicción que el álbum fuera un éxito masivo, pero había una razón ... las melodías pegajosas que apoyaban las letras. Estas melodías eran optimistas y flotantes proporcionando un contrapunto eficaz al contenido lírico.

Otro aspecto importante de esta versión fue la producción que se basó ​​en la programación electrónica. Los teclados y las baterías se programan de manera efectiva, creando una textura electrónica que suena limpia y básicamente despejada. Es la magnífica producción original de Chris Hughes y Ross Cullum la que prepara el escenario para una experiencia atmosférica muy agradable que entra en plena vigencia en la versión Blu-ray que aquí comentamos.

Mi preferencia de escucha para la revisión fue 2.0 Estéreo DTS HD MA 96k 24 Bit.

The Hurting es un deleite auditivo en audio de alta resolución. El escenario sonoro es sobresaliente al desplegar una hermosa calidad ambiental que se extiende notablemente bien alrededor del oyente. Las dinámicas son geniales, extendiéndose con tonos brillantes en el rango superior que es totalmente adecuado para este álbum. Los sonidos electrónicos son nítidos y claros y proporcionan detalles excepcionalmente buenos para la instrumentación con excelentes cualidades espaciales.

Lo que es realmente impresionante son los sonidos de la batería que están pensados para impulsar la música. Este sonido es claro, conciso y bastante fuerte. El bajo toca por detrás de la batería en estas grabaciones. Y la claridad general es extraordinaria ... por ejemplo, en la pista "Pale Shelter" las guitarras acústicas brillan con una calidad extraordinaria.

La versión en Blu-ray parece haber utilizado las cintas maestras analógicas originales (con un silbido de la cinta muy leve evidente) como parte de la reedición del 30 aniversario de "The Hurting", que también incluye una edición de 2 CD y 4 Disc Box Set. La calidad sonora es asombrosa. Un reconocimiento especial para Peter Mew como el ingeniero de masterización.

Basta con decir, "The Hurting" es una grabación de calidad superior. Excelente album de Tears for Fear y excelente Blu-ray.

LA CASA DE LAS MINIATURAS

En los últimos años algunas de las "joyitas" más interesantes que me encuentro en el mundo de las series son las llamadas miniseries, es decir,  aquellas que cuentan con una única temporada y a lo sumo 4 o 5 capítulos. Una de ellas es LA CASA DE LAS MINIATURAS. 

Se trata de una serie de la BBC en la que se aborda de una manera admirable el poder y la moral en el Amsterdan del siglo XVII, una ciudad en la que el poder residía en los comerciantes (agrupados en gremios) y en la que se imponía una estricta moral religiosa encarnada por la iglesia calvinista. En aquella época Amsterdam era uno de los centros económicos y sociales más importantes de Europa y por ende, del mundo. 

La serie cuenta con tres capítulos de una hora con una ambientación y vestuario sólo al alcance de los británicos. Mención especial merece el vestuario así como los exteriores que se han rodado en Amsterdam. 

Se basa en el libro de Jessie Burton, "La casa de las miniaturas". Los temas que trata son el abuso del poder, la arbitrariedad de la religión, los convencionalismos sociales, la opresión de la mujer, la persecución de las relaciones sexuales injustamente llamadas contra natura o el racismo.

La historia es la siguiente. Petronella–Nella-Oortman es una joven de dieciocho años educada para ser una señora.Hija de una familia en apuros, su madre decide casarla con Johannes Brandt, un comerciante muy influyente y bien posicionado de Ámsterdam. Pero cuando entra en esa casa se encuentra una atmósfera muy turbia con dos criados que parecen más interesados en controlarla que en servirla, un marido que apenas le presta atención y Marin, su cuñada, que hace todo lo posible para que no se sienta cómoda en esa nueva casa. Su único consuelo es su regalo de bodas, una casa de miniaturas que cada vez adquiere tintes más macabros cuando comienza a recibir miniaturas de un desconocido que le sirven para descubrir los secretos que esconde su nuevo hogar.

Las tres actrices en las que cae el peso de la serie y que desarrollan su papel de manera esplendida son : 

• Anya Taylor-Joy (Nella Oortamn) que ya trabajó en la fascinante  película LA BRUJA (2015), en MULTIPLE( 2017) y GLASS (2018) dirigidas por M. Night Shyamalan

• Romola Garai (Marin Brandt) que trabajó en SUFRAGISTAS (2015).

• Hayley Squires (Cornelia) que aparecía en la pelicula de Ken Loach YO, DANIEL BLAKE (2016)

En el apartado masculino, Alex Hassel, (Johannes Brandt), con una interpretación muy convincente y al que pudimos ver en SUBURBICON (2017).

También señalar que el director de la serie es el director catalán Guillém Morales (LOS OJOS DE JULIA, 2010), que ha conseguido una interpretación esplendida del trío femenino dando un ritmo pausado en el que cada plano es importante por los detalles que ofrece pero sin ser lento  Esta serie se disfuta por el inteligente manejo de sus escasos escenarios y por la interpretación de Anya Taylor-Joy, que tiene un dominio absoluto de cada uno de sus planos y dota de profundidad al personaje mostrándonos su paulatina evolución.

REINICIO

¡Bienvenidos!. 

Después de largo tiempo sin publicar nada voy a revitalizar este blog dándole una nueva dirección. Realmente inquietudes es su nombre y como tal voy a hablar de aquellas que más me motivan: cine, música, gastronomía, libros, historia, etc..... 

Como veis los temas son muchos y variados y espero que os gusten. 

No voy a tratar "temas candentes" (así lo suelen calificar los medios de comunicación) dado que ya existen otros foros y redes para ello y no es mi intención generar reacciones encontradas de los posibles visitantes de este blog. Sólo cruzaré esta linea en algún caso pero siempre que sea de verdadera trascendencia. Bueno solo me queda daros de nuevo la bienvenida y empezar a trabajar. Gracias a todos

EXODUS, DIOSES Y REYES-VESTUARIO DE LA PELICULA DE RIDLEY SCOTT

En estos días en el Museo del Traje de Madrid está realizando una exposición del vestuario de la película de Ridley Scott: EXODUS.

La exposición se ha montado en colaboración con HISPANO FILM S.A.E. y SASTRERIA CORNEJO.

La muestra se compone de 40 trajes de la diseñadora de vestuario y ganadora de un Oscar por "Gladiator", Janty Yates. Los trajes han sido producidos por la afamada Sastrería Cornejo, toda una institución en nuestro cine.

La muestra se compone de 40 trajes y otros utensilios, joyas y complementos utilizados en el rodaje del film. Se realizaron para el film unos 5.000 trajes que muestran el vestuario del mundo egipcio, hitita, nubio e israelita.

 La exposición es totalmente recomendable ya seas o no amante del cine. 

LOS PAJAROS, UN ESTUDIO PSICOLOGICO DE ALFRED HITCHCOCK

LOS PÁJAROS (1963)

Director: Alfred Hitchcock
Intérpretes: Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Pleshette.

Recientemente se han cumplido 50 años del rodaje de la película LOS PAJAROS dirigida por Alfred Hitchcock.

Esta película se basa en un relato corto de Daphne Du Maurier que fue publicado por primera vez en 1952. En él se narra la historia de un humilde granjero y su familia que se ven sorprendidos por el ataque de los pájaros en su propia casa así como por su hostigamiento sin que aparentemente exista causa alguna para ello. La angustia va creciendo a medida que a través de la radio escuchan como el fenómeno se va extendiendo por todo el mundo y únicamente les queda esperar a que dichos ataques finalizen.

El proceso de elaboración del guión fue largo y compartido en todo momento por el director y sus guionistas. No obstante, Hitchcock dejó siempre muy claro que su pretensión con el guión era triple: no se debía aportar una explicación racional al comportamiento de las aves, había que dejar un final lo más abierto posible y sobre todo la película debía asustar.

Además para conseguir un efecto más profundo en el espectador la película comienza como si se tratara de una comedia de amor en donde Tippi Hedren y Rod Taylor comienzan una relación de flirteo. Eso sí, la relación comienza en una pajarería. Esta parte de la película sirve para contrastar la naturaleza humanizada de los pajaros metidos en jaulas con la vorágine de ataques y asedios aparentemente sin sentido que se van a producir con posterioridad.

Es muy aparente también en la película la relación que une a Rod Taylor con su madre en el film, Jessica Tandy, que como casi siempre en la filmografia de este director es una "sospechosa relación" de íntima conexión y exceso de sobreprotección  de la madre para con respecto al hijo. Ya vimos una relación de este tipo en Psicosis, sin bien de carácter postmortem.

Por otro lado, dentro de lo irracional de los ataques de las aves todavía causa más estupor y perplejidad ,si cabe, el hecho de que algunos de los vecinos de Bodega Bay, la población en la que suceden los hechos, culpen de este sin sentido a la visitante del pueblo, Tippi Hedren Esto acentúa todavía más la sensación de asombro del espectador y le hace buscar en este dato una posible respuesta a estos ataques, si bien su mente racional le indica que esto no es más que una superstición.

Algunas de las escenas de esta obra producen en el espectador un miedo cerval dado que no puede explicar de ningún modo lo que está pasando, lo que contribuye a transmitirle una ansiedad y desasosiego mayor. En este sentido contribuye a un más a esta perplejidad el hecho de que la ornitóloga que vive en el pueblo y que representa la racionalidad de la ciencia no pueda dar ninguna explicación plausible a lo que está sucediendo.

La escena que transcurrre en el exterior del colegio del pueblo en el que los alumnos están jugando y poco a poco los cuervos se van posando en los columpios hasta que se produce el ataque a los niños es de un crescendo nervioso muy impactante.

Una de las escenas más memorables es la del ataque de las aves en el centro del pueblo ya que es el momento en el que el hombre se da cuenta que está a expensas de una naturaleza que cuando se desata es imposible de parar y lo peor es que no tiene una explicación racional para ello. A este efecto contribuye también la toma aérea desde la que se divisa la situación del pueblo y la explosión de la gasolinera. Parecería como si una inteligencia superior estuviera observando lo que esta ocurriendo.

No obstante para mi una de las escenas más impactantes tiene lugar en casa de la madre de Rod Taylor (Jessica Tandy) estando él presente con ella, Tippi Hedren y la hermana pequeña del mencionado. Están tomando el té cuando de repente entran en la casa por la chimenea y por algunas ventanas miles de pajaros con el consiguiente terror, sorpresa y estupor de los protagonistas. Además se produce la paradoja de que en la casa hay una jaula con una pareja de agapornis que no comparten el salvajismo de sus congéneres Esto lleva al espectador a preguntarse una vez más por una explicación racional a los ataques de las aves, sin que por supuesto tenga una respuesta para ello. Además en esta escena vemos como los enjaulados no son los pajaros sinó los seres humanos.

Nadie puede explicar lo que sucede, ni los personajes ni el espectador. Además los únicos pajaros pacíficos son los agapornis y que, al final, van a ser llevados consigo por los protagonistas en un final lleno de incertidumbre, suspense de amenaza latente. En la última escena se deja un final abierto. Se trata de un plano fijo del coche de los protegonistas alejandose entre miles de pajaros que están posados en el suelo, en los tendidos teléfonicos, el tejado de la casa y que están expectantes de una manera incomprensible. No se sabe que va a pasar y lo más inquietante: ¿POR QUÉ?. Además no aparece la palabra "The end" con toda maquiavélica intención.

 

Como epílogo me parece justo destacar la notoria, efectiva y espectacular utilización de los efectos sonoros de movimientos de alas y graznidos de pájaros coordinados por Bernard Herrmann, en un film carente totalmente de música.